Underground ou Mainstream?

Definir o que é underground e o que é mainstream tornou-se uma tarefa consideravelmente mais complexa na atual configuração da indústria musical. Em uma época na qual artistas podem ser encontrados com poucos cliques, lançamentos circulam globalmente e plataformas de streaming contabilizam milhões de reproduções, os antigos parâmetros de popularidade e alcance já não são suficientes para estabelecer essa distinção.

Uma banda independente pode acumular milhões de reproduções e continuar praticamente desconhecida fora de seu próprio circuito. Da mesma maneira, um artista que não possui contrato com uma grande gravadora pode reunir milhões de seguidores, realizar apresentações para públicos numerosos e viver exclusivamente de sua música. Ser independente, portanto, não significa necessariamente pertencer ao underground. Da mesma forma, alcançar determinado número de ouvintes não representa, por si só, uma passagem automática para o mainstream.

A questão é mais profunda do que números, contratos ou estruturas de produção. Envolve circulação, reconhecimento, relações culturais, interesses comerciais e, sobretudo, a maneira como determinado artista ou movimento se posiciona dentro da indústria musical.

Embora essa discussão possa parecer distante da realidade do Depressive Suicidal Black Metal, considero importante abordá-la justamente por causa das particularidades desse subgênero.

O DSBM permanece profundamente nichado. Mesmo seus nomes mais conhecidos circulam em um universo relativamente restrito quando comparados aos artistas de maior alcance na música em geral. A maioria dos projetos continua na escuridão, distante dos grandes circuitos de divulgação e reconhecimento. Encontrá-los exige disposição, curiosidade e, muitas vezes, um verdadeiro trabalho de garimpagem.

Mesmo quando disponibilizam seus trabalhos em plataformas de streaming populares, muitas bandas encontram barreiras relacionadas à natureza de suas composições, à identidade visual de seus lançamentos ou às temáticas abordadas. Capas explícitas, conteúdos líricos controversos e a própria classificação musical podem dificultar a circulação de determinados materiais.

Assim, mesmo a banda mais conhecida do DSBM permanece em uma posição muito distante do mainstream. Existe um abismo entre os dois universos, e talvez seja justamente essa distância que torne tão peculiar a maneira como o subgênero se desenvolve.

 

Há algo particularmente íntimo na criação musical dentro do DSBM. Diferentemente de projetos concebidos desde o início com a intenção de alcançar grandes públicos, muitos desses artistas parecem encontrar na música, antes de tudo, uma necessidade de expressão pessoal. Não necessariamente começam compondo com a pretensão de apresentar suas emoções ao mundo. Às vezes, o horizonte inicial se limita a um pequeno círculo de amigos ou a alguns ouvintes que já sabem que receberão aquela manifestação de dor em forma de ondas sonoras, sem julgamentos ou exigências de adequação.

Essa relação também se reflete na maneira como os projetos são estruturados. São relativamente poucas as bandas de DSBM que realizam apresentações ao vivo. Além das dificuldades habituais de logística, produção, deslocamento e organização, existe uma característica recorrente no subgênero: muitos projetos são conduzidos por uma única pessoa, ocasionalmente duas. Transformar uma composição concebida individualmente em uma apresentação ao vivo pode exigir uma estrutura que nem sempre está disponível ou sequer corresponde à proposta original do artista.

Há ainda músicos que relatam dificuldades em reproduzir ao vivo aquilo que foi registrado em estúdio — comumente um cômodo da própria casa. Uma composição pode representar um estado emocional muito específico, vinculado a determinado momento da vida. Revisitá-la posteriormente, tentando reproduzir as mesmas sensações, pode ser uma experiência difícil e até mesmo comprometer a autenticidade que o artista atribui àquela gravação.

Outro aspecto importante é a própria relação com a exposição pública. Muitos músicos evitam divulgar fotografias pessoais, utilizam pseudônimos e preservam deliberadamente o anonimato. Para alguns, a intenção não é construir uma imagem pública em torno da própria personalidade, mas permitir que a música permaneça no centro da experiência. A necessidade de externalizar angústias através da criação artística pode coexistir com o desejo de manter a própria identidade distante dos holofotes.

Tudo isso ajuda a compreender por que o DSBM permanece tão distante das estruturas convencionais da indústria musical. Não se trata apenas de um gênero pouco popular, mas de uma manifestação artística cuja própria dinâmica frequentemente dispensa os mecanismos tradicionais de exposição, promoção e profissionalização.

Há cerca de uma ou duas décadas, mainstream e underground ocupavam posições relativamente mais fáceis de reconhecer na música em geral.

O primeiro estava associado aos grandes festivais, artistas populares, sucessos radiofônicos, patrocínios e estruturas voltadas a alcançar o maior público possível. O segundo se desenvolvia em bares, pequenos festivais, selos independentes e coletivos sustentados por curadoria, afinidade musical, princípios e relações mais próximas entre artistas e ouvintes. Essa divisão nunca foi absoluta, mas oferecia referências relativamente claras. O som, a dimensão dos eventos, a forma de divulgação, os artistas escalados e até mesmo o comportamento do público ajudavam a identificar cada circuito.

Hoje, esses sinais se misturaram a ponto de a própria distinção ter se tornado instável.

Musicalmente, artistas antes restritos a circuitos independentes passaram a ocupar palcos de grandes festivais. Mercadologicamente, eventos comerciais incorporaram discursos sobre comunidade, liberdade, diversidade e conexão. Paralelamente, festas menores passaram a trabalhar com publicidade, marcas, estratégias de comunicação e planejamento de imagem.

Os dois universos passaram a compartilhar linguagens e referências, mas não necessariamente as mesmas condições. O mercado de grande porte possui recursos financeiros, estruturas e capacidade de divulgação que dificilmente podem ser reproduzidos por iniciativas independentes.

A hiperconexão acelerou esse processo. O excesso de estímulos, anúncios, vídeos e experiências disponíveis tornou o entretenimento facilmente substituível. Um palco grandioso, por si só, já não garante interesse duradouro. O público também passou a procurar identidade, pertencimento e a sensação de que determinada experiência oferece algo além de uma programação montada para preencher horários. 

O underground já cultivava esses vínculos muito antes de eles se tornarem argumentos de marketing. Seu potencial nunca esteve limitado aos espaços intimistas, à escolha de artistas menos conhecidos ou à propagação de gêneros musicais de nicho. Sua força também reside na capacidade de construir significado ao redor da música. Curadoria, descoberta, liberdade e comunidade não surgiram como palavras de campanha, mas como elementos fundamentais para manter cenas inteiras em atividade, mesmo diante da escassez de recursos, da falta de conforto e da pouca exposição.

O mainstream percebeu o valor dessas características. Passou a contratar artistas legitimados por cenas menores, investir em espaços com propostas supostamente mais intimistas, restringir o uso de celulares em determinadas apresentações e incorporar a ideia de conexão humana como parte central da experiência. Dessa maneira, princípios construídos coletivamente em circuitos independentes passaram também a ser transformados em produtos e experiências comercializáveis.

Uma das maiores habilidades do grande mercado é identificar aquilo que desperta interesse fora de seus próprios limites, selecionar os elementos mais atraentes e devolvê-los em um formato mais acessível, confortável e comercialmente viável. O discurso permanece, mas parte dos conflitos, das dificuldades e das contradições que deram origem àquela manifestação desaparece durante o processo.

Com dinheiro, essas propostas ganham uma força que o underground raramente consegue acompanhar. Artistas de maior projeção, sistemas de som superiores, cenografia, tecnologia, segurança, conforto e campanhas publicitárias bem executadas criam experiências capazes de disputar a atenção do público com enorme vantagem. Isso não significa que sejam culturalmente mais relevantes ou artisticamente mais consistentes. Significa, porém, que possuem condições materiais de apresentar seus produtos de maneira muito mais competitiva, especialmente para um público que passou a avaliar eventos também por aquilo que oferecem visualmente.

As redes sociais aprofundaram essa diferença. Um grande festival entrega imagens que comunicam relevância quase instantaneamente: multidões, palcos monumentais, iluminação, artistas conhecidos e cenários grandiosos. Um pequeno festival realizado em um bar pode proporcionar uma experiência musical muito mais intensa e significativa, mas dificilmente produzirá registros com o mesmo impacto visual.

A experiência, nesse caso, nem sempre encontra correspondência em sua representação digital.

E existe uma contradição interessante nisso tudo: aquilo que durante décadas foi construído como alternativa ao espetáculo comercial passou a ser reproduzido, em parte, como mais um elemento do próprio espetáculo.

Não podemos ignorar as transformações no comportamento do público.

Muitas pessoas que frequentavam bares, casas de shows e festivais menores durante os anos 1990 e 2000 envelheceram, mudaram suas rotinas, assumiram novas responsabilidades e, em muitos casos, passaram a dispor de maior poder aquisitivo. Ao mesmo tempo, gerações mais jovens chegam à música por meio de grandes festivais, vídeos curtos, recomendações algorítmicas e artistas que já possuem reconhecimento consolidado.

O mainstream aprendeu a atender diferentes públicos: oferece nostalgia para quem deseja reviver experiências passadas, novidade para quem procura descobertas, conforto para quem pode pagar por ele e impacto visual para quem consome música também através das telas.

Nesse movimento, o underground perdeu parte de sua centralidade e passou a ser visto por alguns como uma versão enfraquecida daquilo que já foi. Bares fecharam, festivais recorrentes desapareceram, os custos de produção aumentaram e parte do público migrou para eventos maiores. Manter uma iniciativa independente tornou-se um desafio ainda mais complexo, especialmente quando os responsáveis precisam conciliar a organização de eventos com seus empregos, compromissos pessoais e limitações financeiras.

Ainda assim, concluir que o underground morreu seria uma leitura bastante superficial.

Em muitos casos, ele apenas deixou de acontecer diante dos mesmos olhos que antes se consideravam capazes de reconhecê-lo.

O underground contemporâneo está mais fragmentado e, consequentemente, menos fácil de mapear. Ele aparece em cidades que raramente recebem atenção, em ocupações temporárias, selos digitais, rádios comunitárias, festas periféricas, pequenos coletivos e encontros que sequer entram nos calendários culturais mais populares.

Também deixou de obedecer a uma ideia rígida de que música underground precisa necessariamente apresentar gravações rudimentares, produção pouco polida ou sonoridade limitada por determinados padrões estéticos. A experimentação ganhou espaço, e projetos independentes passaram a explorar possibilidades que não se encaixam facilmente nas antigas classificações.

Isso não significa que a crueza, a precariedade ou a resistência estética tenham perdido importância. Significa apenas que não podem mais ser utilizadas isoladamente como critérios para definir o que pertence ou não ao subterrâneo.

Existe ainda outra contradição: quando um projeto independente melhora sua comunicação, conquista maior alcance ou consegue algum apoio financeiro, não é incomum que surjam acusações de que perdeu sua autenticidade. Por outro lado, quando permanece pequeno, enfrenta dificuldades para pagar equipes, manter uma frequência de lançamentos e alcançar novos ouvintes, o underground é frequentemente cobrado para sobreviver sem demonstrar que está tentando sobreviver.

Apesar dessas dificuldades, preserva uma capacidade que o mainstream dificilmente consegue reproduzir por conta própria: perceber movimentos antes que se tornem evidentes para o grande público.

É nesse território que artistas são experimentados, combinações inusitadas encontram espaço e ouvintes desenvolvem interesse por propostas que ainda não receberam validação comercial. O grande público frequentemente chega depois, quando o risco já foi assumido por outros.

Em suma, o underground oferece renovação, repertório e profundidade para uma indústria que rapidamente se tornaria repetitiva sem aquilo que nasce fora de seus circuitos mais consolidados.

Atualmente, mainstream e underground já não ocupam extremos perfeitamente opostos. Existe uma extensa zona intermediária, preenchida por projetos independentes de grande alcance, artistas vinculados a estruturas comerciais que preservam propostas experimentais e movimentos que transitam entre diferentes circuitos.

A diferença continua existindo, mas precisa ser procurada em outros lugares: na origem das escolhas, na relação com o público, na autonomia artística, nas condições de produção e no espaço concedido ao risco.

O underground ainda carrega uma intensidade, uma identidade e uma liberdade que dificilmente podem ser reproduzidas integralmente fora de seu contexto. Isso não significa que tudo o que é independente seja autêntico, nem que toda iniciativa comercial seja desprovida de valor. Significa reconhecer que existem formas de organização e criação musical que não podem ser avaliadas apenas por números, visibilidade ou capacidade de gerar lucro.

E é justamente nesse ponto que gostaria de trazer uma questão particularmente importante para quem acompanha o Metal Extremo e, sobretudo, o DSBM.

Existem inúmeros artistas independentes e projetos de nicho espalhados pelo Bandcamp, uma plataforma que se tornou especialmente relevante para a circulação de música underground. Entretanto, navegar por seu catálogo em busca de novos nomes pode ser muito parecido com garimpar ouro. Você encontra uma banda, começa a ouvir suas músicas e, em determinado momento, percebe uma identificação imediata com aquilo que está sendo apresentado. Pode ser uma atmosfera, uma passagem instrumental, uma letra ou simplesmente uma sensação difícil de explicar. É como encontrar uma pequena joia em meio a uma quantidade imensa de materiais ainda desconhecidos.

Mas esse encontro exige disposição. É preciso dedicar tempo, explorar páginas, conhecer selos, acompanhar coletivos, ler resenhas, ouvir lançamentos e permitir-se sair daquilo que os algoritmos recomendam repetidamente.

Nem sempre a descoberta acontece na primeira tentativa. Muitas bandas passarão despercebidas, algumas não despertarão interesse e outras talvez só façam sentido depois de algumas audições. Faz parte do processo.

O problema é que nos acostumamos a receber música pronta para o consumo: recomendações automáticas, listas populares, lançamentos impulsionados e artistas constantemente apresentados como novidades imperdíveis. Nesse cenário, procurar deliberadamente aquilo que está fora do radar exige uma postura diferente. É necessário abandonar, por alguns instantes, a posição de consumidor passivo e assumir o papel de explorador.

Posso afirmar que vale a pena.

Há uma satisfação particular em descobrir um projeto ainda desconhecido, acompanhar sua trajetória e perceber que aquela música, produzida muitas vezes com recursos limitados e pouca visibilidade, encontrou um lugar entre tantas outras possibilidades.

Talvez o underground nunca tenha sido tão fácil de acessar tecnicamente e, ao mesmo tempo, tão difícil de encontrar culturalmente. A música está a poucos cliques de distância, mas a descoberta verdadeira ainda exige curiosidade, dedicação e disposição para atravessar caminhos menos iluminados.

O subterrâneo continua vivo. Só é preciso descer um pouco mais para encontrá-lo.

DSBM #1 | LADIES OF DARKNESS

Desde os primórdios do Heavy Metal, as mulheres vêm conquistando seu espaço em um território historicamente dominado por homens. Entre guitarras distorcidas, vocais poderosos e uma atitude que desafia convenções, elas provaram repetidas vezes que o peso da música não tem gênero. Das vertentes tradicionais às mais extremas, a presença feminina deixou de ser uma exceção para se tornar parte indispensável de uma cena que, apesar de suas contradições, sempre encontrou na transgressão uma de suas maiores forças.

(clique na imagem para ver a relação de nomes e bandas)

Quando avançamos para os territórios mais obscuros do Metal, onde a agressividade cede espaço à introspecção e a música se transforma em um mergulho nas profundezas da existência, encontramos um universo particularmente intenso: o Depressive Suicidal Black Metal. E, por essas paisagens de desolação, as mulheres também caminham. Muitas vezes longe dos holofotes, mas deixando marcas profundas em uma cena que encontra na expressão da dor sua própria razão de existir. Existem numerosas bandas e projetos de Depressive Black Metal que contam com mulheres à frente, conduzindo sozinhas suas criações, assim como grupos nos quais elas dividem o espaço criativo com outros integrantes. São artistas que exploram diferentes possibilidades sonoras e emocionais, transitando entre a crueza abrasiva do Black Metal tradicional, atmosferas etéreas, passagens acústicas e melodias que parecem emergir de algum lugar entre a memória e o abismo.

 

Com uma sensibilidade ímpar e uma expressividade extraordinária, essas mulheres enriquecem o cenário do DSBM com interpretações particulares de temas profundos, dolorosos e, muitas vezes, extremamente pessoais. Afinal, embora o sofrimento mental não conheça distinções de gênero, a maneira como cada pessoa o experimenta, compreende e manifesta pode ser profundamente influenciada por sua história e pelas condições em que vive. Nesse sentido, as mulheres que encontram na música depressiva um canal para suas angústias também nos apresentam perspectivas próprias sobre a existência. Suas composições podem revelar não apenas conflitos internos, solidão, desesperança e exaustão emocional, mas também as feridas produzidas por uma sociedade que ainda insiste em estabelecer lugares, comportamentos e limites para elas.

 

Há uma contradição cruel na maneira como o patriarcado enxerga as mulheres: ao mesmo tempo que as rotula como frágeis, emotivas e suscetíveis ao sofrimento, frequentemente deslegitima suas dores, silencia suas vozes e desconsidera suas experiências. Quando uma mulher transforma suas angústias em arte, entretanto, ela não está simplesmente confirmando esses estereótipos. Está tomando para si o direito de narrar a própria existência, nos próprios termos, sem precisar tornar sua dor palatável para quem a escuta.

E que força existe nesse gesto!

Dos vocais limpos, delicados e quase espectrais aos guturais graves e profundos, capazes de transmitir uma sensação visceral de desespero, essas artistas demonstram que não há uma única maneira de expressar a melancolia. Suas vozes podem soar como sussurros perdidos na madrugada ou como gritos que rasgam o silêncio de uma mente em tormento. A instrumentação acompanha essa diversidade: ora crua, áspera e sufocante; ora atmosférica, melódica e etérea. Nas letras, encontramos fragmentos de intimidade, confissões dolorosas e sentimentos que nem sempre encontram espaço para existir fora da arte.

 

Não se trata de afirmar que as mulheres sentem mais, sofrem mais ou possuem uma sensibilidade naturalmente superior à dos homens. Trata-se de reconhecer que cada vivência carrega suas particularidades e que essas diferenças, quando encontram expressão artística, ampliam as possibilidades de compreensão da experiência humana.

Toda pessoa que se dispõe a expor algo tão íntimo de si merece respeito. Compartilhar as próprias vulnerabilidades por meio da música exige coragem, especialmente em uma sociedade que frequentemente ensina as pessoas a esconder aquilo que as torna vulneráveis. Por isso, homens, mulheres cis e trans, assim como pessoas não binárias, contribuem para a riqueza dessa cena ao transformar suas experiências em manifestações artísticas singulares.

Entre as mulheres que produzem DSBM, existem ainda vivências atravessadas por questões específicas. O estresse de minoria, a transfobia, a disforia de gênero, a misoginia e as inúmeras formas de exclusão social podem aparecer, direta ou indiretamente, em suas composições. Não são experiências universais entre todas as mulheres, tampouco definem suas identidades artísticas, mas constituem realidades que algumas delas encontram na música uma maneira de elaborar e compartilhar.

Quando essas experiências ganham forma em uma composição, a música ultrapassa a dimensão individual. Aquilo que nasceu de uma dor particular pode se tornar um ponto de encontro para outras pessoas que reconhecem, naquelas palavras e melodias, sentimentos que também carregam. Para quem nunca vivenciou determinadas formas de sofrimento, essas obras podem abrir caminhos para a empatia e a compreensão de realidades que frequentemente permanecem invisíveis.

É justamente aí que a música depressiva revela uma de suas capacidades mais significativas: não necessariamente oferecer respostas, soluções ou finais felizes, mas criar um espaço onde sentimentos difíceis possam ser reconhecidos sem que precisem ser imediatamente corrigidos, justificados ou escondidos.

E talvez seja essa uma das razões pelas quais o DSBM permanece uma expressão tão particular dentro do universo do Metal. Estamos falando de uma vertente de nicho, intimista por natureza, que exige do ouvinte uma disposição para mergulhar em atmosferas e emoções nem sempre confortáveis. Aqui, a música não precisa disfarçar a tristeza com otimismo, transformar toda ferida em superação ou prometer que tudo ficará bem. Às vezes, basta encontrar uma obra que pareça compreender aquilo que não conseguimos explicar.

Para quem atravessa tempestades mentais, descobrir uma composição que dialoga com a própria experiência pode significar encontrar reconhecimento em meio ao isolamento. Não porque a música substitua o cuidado necessário ou porque a dor seja algo a ser cultivado, mas porque ser compreendido, mesmo por meio de uma obra artística, pode diminuir a sensação de estar completamente só.

Apesar de o machismo também atravessar o underground e de a história das artes estar repleta de exemplos de mulheres negligenciadas, subestimadas ou afastadas dos espaços de reconhecimento, a presença feminina no DSBM demonstra que a escuridão nunca pertenceu exclusivamente aos homens. Em uma cena que já ocupa as margens da indústria musical, essas artistas ampliam horizontes, desafiam expectativas e acrescentam novas camadas de significado a uma expressão que encontra na vulnerabilidade uma de suas maiores potências.

E existe algo especialmente valioso quando uma cena construída em torno da solidão também consegue oferecer acolhimento. Para muitas mulheres, encontrar espaços onde possam compartilhar suas criações, experiências e sentimentos sem serem reduzidas a estereótipos representa a possibilidade de existir artisticamente com maior liberdade. Isso não significa que o underground esteja livre de preconceitos ou que toda comunidade seja necessariamente segura, mas que a construção de ambientes respeitosos pode fazer toda a diferença para quem deseja expressar sua identidade sem medo de ser invalidada ou silenciada.

 

No fim das contas, a música depressiva não pertence a um gênero, a uma identidade ou a uma única maneira de sofrer. Ela pertence a quem encontra nela uma linguagem para sentimentos que, por vezes, parecem impossíveis de traduzir. E cada artista que acrescenta sua própria voz a esse universo contribui para torná-lo mais amplo, complexo e humano.

Que as vozes femininas continuem ecoando pelos corredores mais sombrios do underground. Que seus projetos recebam a atenção que merecem, que suas composições sejam ouvidas para além dos estereótipos e que seu talento seja reconhecido sem ressalvas. Não como uma curiosidade em meio a uma cena predominantemente masculina, mas como parte legítima e fundamental daquilo que torna o DSBM tão expressivo.

Portanto, quando a próxima madrugada trouxer consigo aquela vontade de mergulhar em riffs melancólicos, atmosferas sufocantes e vocais que parecem carregar o peso de um mundo inteiro, reserve também um espaço para descobrir as mulheres que fazem da escuridão sua linguagem artística.

Apoie seus lançamentos, divulgue seus trabalhos, acompanhe seus projetos e dê uma chance àquilo que elas têm a dizer.

Porque a escuridão não tem dono, a dor não tem gênero e o underground se torna ainda mais rico quando todas essas vozes encontram espaço para ecoar.

Longa vida ao DSBM!

Prestigiem as bandas, fortaleçam a cena e mantenham

seus ouvidos atentos às nossas Ladies of Darkness!

Compilação com três horas de bandas femininas da cena DSBM mundial:

Playlist no Spotify:

Female DSBM

Entrevista com F.R. da Unguilty

 

Há projetos que fazem da música apenas uma forma de expressão. Outros parecem encontrar nela um lugar para existir. Unguilty pertence a essa segunda categoria.

Criado em Curitiba por F.R., o projeto constrói sua identidade a partir do encontro entre Black Metal, Doom Metal e a atmosfera introspectiva do DSBM. Ao longo de três álbuns, uma demo e um EP, sua música percorre paisagens marcadas pela melancolia, pela nostalgia, pelas inquietações humanas e por aquela tristeza silenciosa que nem sempre precisa ser combatida; às vezes, apenas reconhecida.

Por trás dessa sonoridade está também um processo essencialmente independente: F. R. compõe, toca e grava o material em seu próprio estúdio doméstico, transformando limitações técnicas em parte de uma identidade sonora cuidadosamente construída.

Com um novo álbum se aproximando e três singles já apresentados ao público, este é um momento particularmente interessante para olhar para a trajetória do projeto e entender o que existe por trás dessas paisagens sonoras.

Nesta entrevista, F.R. fala sobre suas influências, o nascimento de Unguilty, o processo de composição e produção, a relação entre peso e melancolia e, principalmente, sobre o novo capítulo que está prestes a ser escrito.

Para começarmos pelo princípio: quem é F. R. para além do Unguilty? De onde surgiu seu interesse pela música e, especialmente, pelo Black Metal e por suas vertentes mais sombrias?

F.R.: Quando criança, me lembro de voltar do colégio e minha mãe estar varrendo a casa enquanto ouvia Linkin Park. Essa foi minha primeira influência musical e que, ao longo dos anos, foi evoluindo e mudando. Assim, a música assumiu cada vez mais um papel central em minha vida. Hoje, embora eu leve uma vida bastante tradicional de qualquer CLT brasileiro, ainda tenho essa paixão como algo essencial e o Unguilty tornou-se minha forma de viver isso.

Quais artistas e bandas foram fundamentais para a sua formação musical? Existe algum disco que você considera ter mudado sua maneira de enxergar ou sentir a música?

F.R.: Iron Maiden é, sem dúvidas, a banda mais importante para minha trajetória como músico. Foi com o intuito de aprender a tocar "Infinite Dreams" que comecei a aprender música, tocando o baixo. Mais tarde, o álbum "The Mantle" do Agalloch foi o que me direcionou em definitivo para os estilos mais extremos do metal e que viriam a ser uma grande influência ao Unguilty.

Unguilty já possui uma identidade bastante reconhecível dentro da cena. Quando você percebeu que havia encontrado uma sonoridade que realmente representava aquilo que queria expressar?

F.R.: Iniciei o Unguilty quando ainda tinha pouca experiência com a música, tanto em termos de composição e técnica como de produção musical. Por isso, desde o início, o projeto foi algo que se desenvolveu muito organicamente, ao passo em que eu mesmo me aperfeiçoava como músico. E, assim, aos poucos, essa identidade foi surgindo e se consolidando à cada nova composição.

Você transita principalmente entre Black Metal, Doom Metal e elementos do DSBM. O que essas vertentes oferecem para você enquanto músico e por que essa combinação se tornou tão adequada à linguagem de Unguilty?

F.R.: De minha experiência pessoal, sempre apreciei a música como algo por si só, e não apenas como algo em segundo plano no meu dia a dia. E, por isso, acabei me inclinando a estilos que transmitem essa atmosfera mais envolvente e até intimista. Encontrei nestas vertentes as influências nas quais eu, como ouvinte e músico, me senti mais bem representado.

Suas músicas carregam tristeza, solidão, ansiedade, nostalgia e uma espécie de desencanto diante da existência, mas nem sempre soam simplesmente "tristes". Existe também certa beleza e até conforto nessa atmosfera cinzenta. Como você enxerga essa relação entre melancolia e conforto dentro da música?

F.R.: É difícil pra mim responder esta questão pois não costumo carregar nenhuma intenção específica quando componho. Não penso em forma de "agora vou compor uma música triste" ou algo assim. Apenas deixo fluir a criatividade e quaisquer sentimentos que surjam ali. O resultado é algo que, até mesmo para mim, pode ser uma surpresa! Por isso, acredito que todas estas interpretações, sensações e sentimentos que surjam na música são apenas a externalização de algo que eu estava sentindo quando estava compondo. E, para mim, esta é uma das partes mais legais em criar arte: ver que cada pessoa terá sua própria impressão e relação com a obra.

Você é responsável por praticamente todo o processo musical da banda e trabalha em seu próprio home studio, sem depender de uma estrutura profissional. O que significa para você manter esse caráter artesanal na produção de Unguilty? E quais são os maiores desafios de transformar uma ideia que nasce dentro de casa em um trabalho com a qualidade sonora que você busca?

F.R.: Uma coisa muito interessante que acontece quando se começa a produzir alguma forma de arte é que, aos poucos, desenvolve-se uma maneira bastante pessoal de produzir. Por isso, no meu caso, onde fui o único integrante deste projeto desde o início, produzir tudo de maneira autônoma se tornou o mais natural para mim. De forma que, num contexto diferente (como, por exemplo, com outros músicos ou num local diferente), o resultado, seguramente, seria diferente. Tão diferente que não se identificaria como o mesmo projeto! Mas, ao mesmo tempo, este formato traz um desafio: como tudo depende de mim, cabe a mim mesmo cumprir com minhas expectativas. Por isso, a evolução e dedicação precisam ter alguma constância, o que nem sempre é possível em meio a rotina do dia à dia.

Três anos se passaram desde Gray. Agora, três singles já começaram a abrir caminho para um novo álbum. Em que momento esse novo trabalho começou a tomar forma e como foi o processo de composição até aqui?

F.R.: Desde o início do projeto, compor é a coisa que mais amo fazer. Por isso, mesmo após o lançamento de Gray, continuei compondo. Assim, no ano seguinte (2024), já contemplava a ideia de dar forma a um novo álbum. Fui reunindo composições novas com algumas antigas que estavam engavetadas até que, no início de 2025, senti que estava pronto para começar as gravações deste novo álbum. Não tive pressa alguma, como pode reparar. Mais de um ano depois, finalmente, o álbum está pronto para o lançamento.

Já existe um título definido para o novo álbum? Se sim, você pode nos contar de onde surgiu esse nome e o que ele representa dentro do conceito da obra?

F.R.: Este álbum se chamará "The Space Between The Heartbeats" e este nome vem de duas ideias: uma referência à um trecho da música "With You Came The Whole Of The World's Tears" da banda finlandesa Swallow The Sun e à uma condição de saúde que tenho que me causa arritmias cardíacas. Não é nada muito sério (nem mesmo realizo alguma forma de tratamento), mas, já me trouxe algumas sensações desagradáveis e que, inclusive, se tornou tema da quinta faixa do álbum.

Gray apresentou uma identidade lírica bastante particular, inclusive com as letras escritas por uma amiga sua. Para este novo álbum, você voltou a trabalhar com alguma parceria na composição das letras ou desta vez assumiu essa parte integralmente?

F.R.: Para este álbum, assumi totalmente a autoria de todos os aspectos de sua produção, inclusive na composição das letras!

E falando especificamente das letras: que temas ou estados emocionais estarão no centro deste novo trabalho? Existe alguma questão que você ainda não havia explorado no Unguilty e que encontrou espaço agora?

F.R.: Escrever as letras para as músicas sempre foi a parte mais difícil para mim. Tenho mais facilidade em compor os instrumentos do que as letras. Mas, sem me apressar nesta produção, consegui trazer temas que tratam sobre traumas passados, temores do futuro e sentimentos ocultos no coração do ser humano. Há, inclusive, uma faixa chamada "Beneath The Abyss" que é inspirada no livro "O Velho e o Mar" do escritor norte-americano Ernest Hemingway, uma obra literária pela qual tenho muito apreço e que se enquadra de maneira muito adequada ao conjunto do álbum.

Os três singles lançados funcionam como uma espécie de primeira janela para o álbum. O quanto eles representam a sonoridade que encontraremos no álbum completo? O ouvinte pode esperar uma continuidade de Gray ou há uma mudança significativa de direção?

F.R.: Escolhi estas três faixas que foram lançadas como singles por me parecerem as mais adequadas a resumir o álbum e trazer uma prévia do que o ouvinte pode esperar. Em comparação com lançamentos anteriores, certamente, é uma novidade. Embora ainda mantenha a identidade que se assumiu neste projeto, a composição e produção me parecem mais primorosas e, por vezes, inovadoras aos padrões da banda.

Unguilty sempre teve uma relação muito forte entre peso e melodia. Neste novo material, essa dinâmica permanece? Houve alguma preocupação em explorar mais o lado Doom, o lado Black Metal ou mesmo as atmosferas mais próximas do DSBM?

F.R.: Existe, sim, essa distribuição ao longo do álbum entre passagens mais densas e agressivas e outras mais leves e melódicas, como tem havido em toda a discografia da banda até aqui. Mas, do meu ponto de vista, ambas as características estão ainda mais acentuadas, de forma que, neste álbum, o ouvinte poderá encontrar o riff mais agressivo que já compus até o momento, seguido pelo mais lento e atmosférico. Essa extensão sonora traz um direcionamento diferente ao álbum, mantendo uma atmosfera sombria e melancólica, ainda que bastante diversa em termos de composição musical.

O baixo ocupa um lugar bastante particular na sua música, especialmente considerando que é seu instrumento favorito. Ele frequentemente não aparece apenas como sustentação das guitarras, mas assume uma presença própria. Houve alguma mudança na maneira como você trabalhou o baixo, ou mesmo outro instrumento, neste novo álbum?

F.R.: O baixo é o instrumento no qual tenho maior domínio e, por isso, gosto de trazer uma presença relevante a ele. Mas, ao mesmo tempo, dou muita relevância ao conjunto da música e busco compor cada instrumento de maneira que soe com coesão. Não dou o estrelato ao vocal, a guitarra ou qualquer instrumento, mas sim, mantenho cada um cumprindo seu papel no conjunto. Neste álbum, o baixo segue nesta lógica, com presença e coesão. Curiosamente, costuma ser o último instrumento que componho para a música!

Outro elemento que chama atenção em Unguilty é o piano. Mesmo quando utilizado de maneira relativamente simples, ele acrescenta uma dimensão quase hipnótica às composições. Qual é a função desse instrumento dentro da sua concepção musical e ele terá um papel importante no novo álbum?

F.R.: No metal extremo, estamos habituados à sonoridade brutal da distorção nas guitarras e no baixo, aos blast beats na bateria, o vocal gutural, etc. Por isso, gosto bastante de trazer o contraste que se encontra na delicadeza de uma guitarra limpa, um vocal falado ou, também, no piano. Neste álbum, este contraste se mantém e o piano surge em diversas passagens, majoritariamente como um aspecto etéreo, na intenção de realçar alguma passagem, alguma virada ou interlúdio, tendo sempre em mente a progressão que constrói a base da música.

Suas guitarras parecem conduzir muito da narrativa das músicas, alternando passagens pesadas e arranjos mais melódicos. Quando você compõe, a melodia costuma surgir primeiro ou a atmosfera e o sentimento que deseja transmitir vêm antes da estrutura musical?

F.R.: Minha abordagem para composição é bastante descontraída: eu sento, uma xícara de café ao lado e a guitarra em mãos, e vou tocando sem pensar muito. Dependendo do dia, a guitarra pode estar plugada e com o drive bastante distorcido, ou, pode estar desligada, apenas com o som limpo e metálico das cordas. Dessa forma, quando surge um riff que gosto, me debruço sobre ele e desenvolvo a ideia. Sendo assim, diria que a melodia e o sentimento surgem de maneira simultânea, um influenciando o outro, colaborando para o desenvolvimento das guitarras e, também, de todos os outros instrumentos.

Existe uma característica muito interessante em Unguilty: apesar de trabalhar com sonoridades pesadas e distorcidas, a produção permanece clara, permitindo perceber guitarras, baixo, bateria e piano sem aquela "parede" sonora excessivamente comprimida. Essa clareza é uma escolha estética consciente?

F.R.: Sem dúvidas! Há uma questão relevante no que se refere a produção musical moderna que é a seguinte: a grande maioria dos músicos e produtores utilizam os mesmos softwares e as mesmas "fórmulas" em suas produções. Por exemplo, se um produtor renomado utiliza um determinado equalizador, logo se verá esse mesmo equalizador sendo utilizado por muitos outros artistas. O que não é um problema — afinal, parece natural que um bom software seja bastante utilizado e que técnicas efetivas de produção sejam popularizadas. Porém, isso pode ocasionar uma certa "artificialidade" às produções, tornando cada vez mais difícil de se ouvir um timbre original num instrumento. Por isso, embora eu também utilize softwares que são populares, busco manter um som mais claro e pouco comprimido, pensando em valorizar o timbre e a produção em cada instrumento e aspecto da música.

Você continua realizando todo esse processo em home studio. Para este álbum, houve alguma mudança no equipamento, na forma de gravação ou na maneira de mixar e produzir?

F.R.: Este é o primeiro álbum em que utilizo minha própria guitarra numa gravação, uma Cort KX300 Etched, que adquiri no final de 2024. Até então, eu sempre precisava recorrer a amigos para me emprestarem guitarras, pois eu não tinha o instrumento. De restante, meu hardware permanece o mesmo do que foi utilizado no restante da discografia, basicamente. Busco sempre me manter atualizado sobre técnicas de mixagem, embora ainda me considere bastante amador neste ofício. Mas, é perceptível que há um grande avanço na qualidade da produção deste álbum se comparado aos anteriores.

Já existe uma previsão concreta para o lançamento do álbum? E você pretende lançá-lo de maneira independente novamente ou haverá algum selo, parceria ou outra estrutura envolvida na divulgação?

F.R.: O álbum será lançado no dia 30 de outubro de 2026, de maneira independente, e deverá estar disponível nas principais plataformas de streaming e no Bandcamp da banda. Infelizmente, ainda não tenho previsão de material físico para o Unguilty, mas é uma ideia que me interessa muito e que deve se concretizar, um dia.

Sem entregar aquilo que você ainda pretende manter em segredo: o que o ouvinte pode esperar dessa nova obra? É um álbum mais sombrio, mais agressivo, mais melódico, mais introspectivo? E existe alguma faixa que você considera especialmente importante dentro do conjunto?

F.R.: Dentre a discografia do Unguilty, eu definiria este álbum como o mais complexo até então. Não exatamente em termos de composição musical, mas sim, de significados. O ouvinte pode esperar desde riffs velozes e agressivos até passagens de introspecção e reflexão, mantendo a característica sonora da banda. Minha faixa favorita é a 7ª, que se chama "Beneath The Abyss". Mas, é comum que minhas faixas favoritas não costumam ser as mais ouvidas após o lançamento! Por isso, também estou ansioso para ver como será a recepção por parte dos ouvintes e quais faixas terão mais destaque.

Para encerrar: depois de três álbuns, uma demo, um EP e agora um novo trabalho prestes a surgir, o que ainda significa fazer Unguilty? O que você procura encontrar quando começa uma nova composição, e o que espera que alguém encontre ao ouvir essa música do outro lado?

F.R.: Fazer música é minha maior paixão e o Unguilty é minha maneira de trazer luz a essa paixão. Se paro para refletir sobre as fases de minha vida que passaram desde que iniciei este projeto, não posso deixar de ficar nostálgico e emotivo. E hoje, cerca de 7 ou 8 anos depois, este projeto segue sendo algo central para mim, seja no momento que for. Poder atingir outras pessoas torna isso ainda mais incrível pois, assim como ocorre comigo ao ouvir outros artistas pelos quais tenho apreço, sei que a música pode impactar grandemente a vida das pessoas. E espero que, com o Unguilty, este impacto possa ser tão intenso quanto foi para mim escrever essas músicas.

Considerações finais.

F.R.: Agradeço muito ao DSBM Brazil e ao Lúgubre por essa oportunidade de falar sobre meu novo lançamento e pelo trabalho que fazem pelo underground. Deixo aqui o convite a todos que se interessam pelo metal atmosférico e desejem prestigiar o underground brasileiro a ouvirem, no fim de outubro, o novo álbum do Unguilty.

A conversa termina aqui, mas a jornada de Unguilty continua. O novo álbum ainda guarda parte de seus caminhos, atmosferas e silêncios, e talvez seja justamente essa espera que torne sua chegada ainda mais interessante. Se a música do projeto encontrou algum espaço dentro de você, acompanhe Unguilty em suas redes sociais e plataformas oficiais. Conheça os trabalhos anteriores, ouça os singles já lançados e permaneça por perto para descobrir o que F.R. está preparando para o próximo capítulo. Porque algumas músicas não pedem pressa. Apenas pedem que você permaneça tempo suficiente para ouvi-las até o fim.

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A insônia dos que tecem com suas entranhas

 Há algo de particularmente significativo quando uma obra nasce antes de qualquer pretensão formal de ser uma obra. 'A insônia dos que tecem com suas entranhas' surge desse lugar: de conversas entre artistas que já transitavam pela cena brasileira de música depressiva e que encontraram, em um grupo informal de mensagens, não apenas interlocução, mas uma possibilidade concreta de criação coletiva.

O resultado é um Split que merece ser observado para além da lógica habitual das coletâneas entre artistas musicais. Não se trata simplesmente de reunir bandas que compartilham uma estética ou um segmento musical. Há aqui um princípio de pertencimento. A música depressiva funciona simultaneamente como linguagem, território e ponto de encontro — uma gramática comum para artistas interessados em elaborar, através do som, experiências relacionadas à solidão, à impermanência, à ausência e ao desconforto de existir. Essa dimensão comunitária é fundamental para compreender o material sonoro. A própria construção do projeto, marcada pela participação coletiva em decisões como título, identidade visual e curadoria estética, reproduz na forma aquilo que a obra expressa em conteúdo. Não há uma tentativa de diluir as individualidades dos participantes; ao contrário, a coletânea encontra sua coerência justamente na convivência entre diferentes vozes.

A escolha de Heráclito, o Filósofo Pranteador, de Johannes Paulus Moreelse, é talvez o gesto conceitual mais eloquente deste material. A pintura de 1630 apresenta Heráclito de Éfeso em sua tradicional associação com o filósofo que chora diante da condição humana. Ao contemplar o globo terrestre, a figura estabelece uma relação direta com a tradição barroca da Vanitas: a lembrança permanente de que tudo aquilo que existe está submetido à passagem do tempo, à decadência e à morte. A imagem não funciona, portanto, como mera decoração para um álbum de atmosfera melancólica. Ela fornece uma chave de leitura. O filósofo contempla o mundo e lamenta sua condição; os músicos contemporâneos fazem algo semelhante, mas substituem a contemplação silenciosa pela elaboração sonora. Séculos separam essas manifestações, mas o desconforto fundamental permanece reconhecível.

E é nesse encontro entre filosofia, pintura e música que o título dessa obra, que reúne as bandas Nattag, Neural Oestridae, Antissocial, Unguilty, Rêveries Fragmentadas, Autodestrutivo, DeadSad e Flâneur, ganha sua verdadeira dimensão. A matéria-prima é o próprio sujeito. 'A insônia dos que tecem com suas entranhas' é um título deliberadamente excessivo — e justamente por isso adequado ao universo que pretende representar. A imagem do indivíduo que "tece com suas entranhas" sugere uma criação que não acontece a partir de uma matéria exterior, mas do próprio corpo e da própria experiência. Compor passa a significar retirar algo de si, manipular essa matéria dolorosa e devolvê-la ao mundo sob a forma de música. A insônia, por sua vez, introduz uma dimensão temporal particularmente interessante. É o estado em que o corpo deseja repousar, mas a consciência permanece em atividade. A madrugada transforma-se em território de ruminação, memória e confrontação consigo mesmo. O título sintetiza, assim, duas dimensões do projeto: a criação como ferida e a vigília como condição existencial.

Se existe uma ideia capaz de atravessar conceitualmente a obra, ela é a noção heraclítica de fluxo. O conhecido princípio associado a Heráclito — Panta Rhei, "tudo flui" — encontra uma correspondência particularmente fértil na música depressiva. A dor não é estática. Ela se desloca, muda de intensidade, assume novas formas e frequentemente retorna transformada. Nesse sentido, as faixas do Split podem ser compreendidas como registros momentâneos desse movimento. A experiência da ausência não é apresentada como uma entidade fixa. O sofrimento também se transforma. O indivíduo que sofre hoje já não é exatamente aquele que sofreu ontem. Da mesma maneira, aquilo que uma composição registra é necessariamente provisório: uma fotografia sonora de um sujeito em determinado ponto de seu percurso. A famosa imagem do rio torna-se, aqui, quase inevitável. Entrar novamente na mesma água é impossível porque o rio mudou — mas também porque aquele que retorna já não é o mesmo. O Split parece compreender intuitivamente esse princípio. Seu mérito está menos em tentar definir a dor do que em registrar suas mutações.

Um dos riscos inerentes a qualquer coletânea reunindo diversos artistas é a homogeneização. Quando artistas são reunidos sob uma mesma classificação, existe sempre a possibilidade de que suas diferenças sejam sacrificadas em favor de uma identidade comum. Aqui ocorre o contrário. A identidade de cada participante permanece perceptível, enquanto a unidade surge de uma convergência temática e emocional. O álbum funciona, portanto, como um mosaico: as peças não precisam possuir a mesma textura para formar uma imagem coerente. Essa diversidade é especialmente importante dentro de uma cena como a música depressiva, frequentemente reduzida, por observadores externos, a uma estética única de tristeza. A coletânea demonstra que há diferentes maneiras de elaborar musicalmente a experiência da melancolia. O que une esses artistas não é necessariamente a forma como soam, mas aquilo que procuram dizer através do som.

Outro aspecto que confere relevância ao projeto é sua recusa — ou ao menos sua resistência — à necessidade de transformar sofrimento em uma narrativa de superação convencional. Não há obrigação de que a arte produza respostas. Tampouco é necessário que uma obra sobre a dor termine em redenção. A honestidade de 'A insônia dos que tecem com suas entranhas' está justamente em permitir que a melancolia permaneça melancolia. A música não precisa solucionar a existência para justificar sua existência. Isso não significa glorificar o sofrimento. Significa reconhecer sua complexidade e conceder à experiência dolorosa um espaço de expressão que não dependa de uma conclusão edificante. A arte, nesse contexto, não aparece como cura universal, mas como ferramenta de elaboração. E essa distinção é importante.

Talvez a maior contribuição deste material esteja justamente fora de suas próprias faixas. Ao registrar uma experiência de colaboração entre artistas da cena depressiva brasileira, o projeto documenta uma forma de sociabilidade artística que frequentemente permanece invisível. Antes de existir como produto fonográfico, o trabalho existiu como diálogo, amizade, troca e apoio. O Split torna audível essa rede. Por isso, sua importância não deve ser medida apenas por critérios tradicionais de produção musical. 'A insônia dos que tecem com suas entranhas' é também um documento de comunidade: um registro de artistas que encontraram, em uma linguagem marcada pela dor, uma possibilidade de encontro. Há algo de paradoxal nisso. Uma música frequentemente associada ao isolamento torna-se, neste caso, instrumento de aproximação.

'A insônia dos que tecem com suas entranhas' é uma obra que entende a música depressiva não como simples exercício de atmosfera, mas como linguagem para pensar a condição humana. Sua força está na convergência entre conceito e experiência: o título, a pintura de Moreelse, a referência a Heráclito, a estética musical e o próprio processo coletivo de produção apontam para a mesma questão — a consciência de que existir é estar permanentemente submetido à transformação.

Nada permanece.

Nem o mundo, nem a dor, nem aqueles que a experimentam.

Se o filósofo pranteador contempla o mundo diante da inevitabilidade de sua transitoriedade, os artistas deste Split respondem com aquilo que sabem fazer: transformam a inquietação em som. E talvez seja justamente essa a imagem que melhor define o projeto.

Enquanto tudo flui, eles continuam tecendo. Não com fios seguros ou matérias nobres, mas com aquilo que têm à disposição: memória, ausência, amizade, melancolia e as próprias entranhas.

O SPLIT está disponível de forma íntegra e gratuita no:

Bandcamp

Youtube

Ajuda Solidária para Lúgubre

É difícil para mim, Lúgubre, vir pedir por ajuda pois eu sei que todas as pessoas têm seus problemas, pessoais e de saúde, então me é caro ficar pedindo algo, mas, nesse momento eu necessito.

Bem, há 15 anos eu comecei a fazer um tratamento para tratar o Refluxo Gastroesofágico. Entre trocas de tratamentos, dietas restritas, cuidados para evitar as crises, o tempo passou, mas nada foi sendo efetivo. Essa doença faz com que o ácido do estômago suba para o esôfago devido a uma falha na válvula que conecta os dois órgãos e que, se funcionasse normalmente, deveria impedir isso de ocorrer. As causas dessa falha ainda hoje não são claras. Como o esôfago não é um órgão preparado para suportar o ácido gástrico como o estômago é, ele sofre muito com essa acidez destruindo as paredes que o revestem. Ainda, o ácido também sobe para a boca e gera muitas consequências na salivação e esmalte dentário. Comumente, a pessoa com essa doença regurgita após comer ou mesmo vomita o próprio ácido gástrico. Não é difícil imaginar o tamanho desconforto e desespero disso tudo.

Eu me sinto um lixo durante essas crises. É uma angústia triplicada, já que eu tenho outro problemas de saúde, físicos e mentais. Eu atravesso os dias sempre uma sensação de algo parado na garganta, me gerando grande aflição por dias. Hoje essas crises se tornaram muito mais frequentes. Mal acaba uma, e em seguida chega outra sempre parecendo mais forte, porque realmente o esôfago está sendo cada vez mais agredido. Mesmo com uma alimentação regrada e tratamentos medicamentosos, nem sempre o problema diminui. No meu caso, essa doença progrediu muito e hoje 50% de meu esôfago sofreu mutação das células que revestem a parede do órgão. Com isso, o esôfago entrou no nível pré-cancerígeno. Essas alterações, chamadas de Displasia, são irreversíveis e deixam o esôfago vulnerável e alvo de um câncer. A dieta está ainda mais restrita, mesmo assim eu não consigo comer nem o pouco que deveria. Mesmo água tem sido difícil ingerir.

Há 3 anos os médicos recomendaram uma cirurgia chamada Fundoplicatura de Nissen, que basicamente seria puxar uma parte do estômago para criar uma válvula entre o final do esôfago e início do estômago, impedindo assim que o ácido gástrico subisse - ou que se subisse fosse uma quantidade mínima. Mas, como o tempo de espera pelo SUS, infelizmente, foi longo, quando a vaga saiu no mês passado os exames pré-operatórios mostraram que esta cirurgia já não resolveria mais o problema. O esôfago está muito comprometido.

A única cirurgia possível agora é a remoção parcial do órgão, chamada Esofagectomia. Ele deverá ter 50% de sua estrututra removida, e após isso ele deverá ser reconstruído com parte do meu estômago. Essa cirurgia leva em média 8 horas para ser realizada, tamanha complexidade. E, após ser feita, o tempo de recuperação leva no mínimo 2 meses, e terei de usar uma sonda conectada diretamente no jejuno para poder me alimentar, pois não poderei forçar o esôfago e o estômago, que deverão levar o tempo completo de recuperação para poderem se adaptar às suas novas formas. E, claro, mesmo assim, ao voltar a me alimentar pela boca eu deverei ter uma dieta bem limitada, evitando muitos alimentos e comendo uma pequena quantidade ao longo do dia.

Diante disso tudo, eu venho tendo dificuldades para trabalhar, pois além da dor e desconforto, eu vomito o ácido estomacal que, obviamente, queima minha boca e já destruiu o esmalte da maioria de meus dentes, causando mais dores. Dormir se tornou muito difícil. Há anos eu durmo sentado, mas. obviamente, a realidade é que eu mal durmo, não tem como ter um sono correto nessa posição, e eu já acordo com mais dores na coluna (tenho Espondiloartrose e já estou há 11 anos na fila de espera para cirurgia pelo Sistema Público de Saúde [pois é, bizarro, surreal e revoltante]). Qualquer pequeno esforço compromete ainda mais minha rotina já nada fácil. Eu tento me cuidar o quanto posso, seguindo com os tratamentos, e tentando me distrair, fazendo isso inclusive usando a música, criando conteúdo para postar aqui e nas demais páginas que administro, mas agora nada ajuda mais. Enfim, o mais desesperador é eu saber que as coisas vão piorar ainda mais. Por isso, irei precisar de toda ajuda possível.

Bem, ao invés de usar plataformas para doações online, que cobram pelo serviço e tem todo um tempo de espera para que eu finalmente possa receber os valores, além de imporem um limite mínimo de doação, eu decidi pedir a ajuda aqui deixando as opções de PIX (para o Brasil) e PayPal (para outros países), que são formas que fazem os valores chegarem integralmente até mim, e ainda podem ser enviados qualquer valor. Por isso, literalmente, se você puder me ajudar com 1 real que seja, com certeza essa será uma ajuda valiosa. E se você não puder me ajudar financeiramente, mas puder compartilhar essa publicação para alcançar mais pessoas, fico extremamente grato!

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Lançamentos 2025 [1º quadrimestre]

Aqui constam os lançamentos nacionais dos primeiros quatro meses deste ano de 2025, janeiro, fevereiro, março e abril.

• Ecos Póstumos - Voracibus | O Verdadeiro Eu: Formada por Renato Nascimento em Arapongas, Paraná, a banda já tem uma estrada pavimentada na cena, sempre com lançamentos carregados de emoções e trazendo à tona toda a luta e o sofrimento que pessoas com transtornos mentais e pessoas neuroatípicas enfrentam diariamente. Apenas nesse primeiro quadrimestre, a banda já lançou um EP, um álbum e um SPLIT, evidenciado a criatividade de Renato.

• Ecos Póstumos | Epicuro - Enquanto Existe A Morte...: Ao lado da já alicerçada Ecos Póstumos, a banda também paranaense Epicuro chega à cena com uma sonoridade potente, dosando furor e melancolia em temas girando em torno do título do próprio SPLIT: a morte. A banda consiste em Vini Cestari como único membro, e soma 4 faixas neste material, sendo 4 de cada banda. Em suma, Enquanto Existe A Morte é uma jornada pelo Black Metal cru dosado com melancolia, trafegando em temas sobre o nascimento, a morte e o oculto, resultando assim em uma obra constante em emoções, da primeira à última faixa.

• Nattag - Demonophobia: Após alguns anos em pausa, Nattag, banda também do Sul do país, mais especificamente de Ponta Grossa, Paraná, desperta com um EP carregado de abstrações e surrealismo ímpar. Embora Yakoushi, o membro-fundador, tenha feito experimentações massivas no passado, incluindo temas surrealistas, foi neste material atual que ele evidencia de forma mais direta a ideia. As 3 faixas que compõem o EP se inter-relacionam, ainda que cada uma tenha sua própria individualidade. As canções são longas, marcadas por uma atmosfera obscura, densa, enigmática, desconcertante e oculta. A sonoridade é um retorno ao início da banda, com mais ruídos, uso de sintetizadores, guitarras com distorções mais cruas e vocais raivosos e profundos.

• Funesto - Espectro da Autodestruição | Desfalecida em Lágrimas e Dor | O Último Poema de um Suicida: Funesto, com seu fundador Funebre, vem do início da década de 2010 com uma carga sonora repleta de cruas emoções, enfatizando a autoaversão pela existência humana, onde apenas dor, sofrimento e desesperança imperam. Mantendo uma cadência de sempre lançar ao menos uma nova música a cada ano, neste  ano ele começou com uma coletânea reunindo músicas de lançamentos passados, totalizando 12 faixas. Em seguida, dois novos singles se somaram, preservando a qualidade singular que a banda capixaba estabeleceu no decorrer de seu percurso na cena nacional. 

• Darkat Yuuyamihn - Até minhas próprias lágrimas desbotam com o passar dos dias: Mais uma banda do Sul do Brasil agregando esta lista de lançamentos. A sonoridade da banda se distanciou do DSBM, mas sem perder o peso e mesmo as temáticas do subgênero. Este single é um complemento do último álbum, que marca a sonoridade do Post Black Metal, e mesmo Post-Hardcore, que a banda tem aderido.

• Lamúria Abissal - Nosce Te Ipsum: Embora a banda tenha encerrado atividades em 2017, nunca houve uma certeza de fim decretado. Surgida no início da década de 2010 com os membros Pale nos instrumentos e produção e Thy Despair nas letras e vocais, a banda traçou um caminho com uma gama de álbuns, EPs e singles. Nosce Te Ipsum é o álbum que pode ser chamado de reavivamento da banda, no entanto, com uma sonoridade mais para o Black Metal cru. O título do álbum, que é uma frase em latim atribuída ao filósofo Sócrates e significa 'Conhece-te a ti mesmo', remete bem a esta sonoridade com elementos do Raw Black Metal. A frase pode ser interpretada de diversas formas, desde o conhecimento dos próprios limites e pontos fortes até à compreensão da própria identidade e lugar no mundo. E é justamente essa autorreflexão que a banda traz com este material.

• Angustifolia | Soturnez - Ao Fim Do Tormento...: Outro SPLIT acrescentando duas bandas de peso a esta lista de lançamentos. Ambas já estabelecidas na cena, e com este material acrescentam na dosagem entre a crueza do Black Metal com a densidade melancólica do Atmospheric Black Metal. As 4 faixas, 2 de cada banda, trazem angústia, dor, luto e anseios pelo fim do tormento que é estar vivo em uma jornada existencial fadada ao sofrimento.  

• Insônia Sem Fim - Sanatorium Of Solitude: Banda nova na cena nacional, formada por Invitus Mortuus na bateria, guitarras, baixo e vocais, sendo ele residente em Belo Horizonte, e por Clenched Fist nos sintetizadores e vocais, residente no Rio de Janeiro. Este EP de estreia traz 4 faixas completamente instrumentais, mas, ainda que não tenham conteúdo lírico, elas expressam muitas emoções. Há uma influência do Black Metal mais cru, rápido, vigoroso e, ao mesmo tempo, linhas melancólicas que dão vazão às mazelas da existência humana.

• Absence - Leave Me | When Everything Is Gone | When Everything Finally Disappears | Dissociation:  Banda formada por Ausente, em 2024, no estado do Pará, O ano tem sido frutífero para a banda que neste início de ano já lançou singles e um EP, estabelecendo assim suas características sonoras. Caminhando por uma atmosfera com elementos do Post Black Metal e Música Ambiente, as canções são densamente melancólicas e imersivas, aflorando uma sucessão de emoções.

• Autodestrutivo - Sorrowful Life: Formada na fria cidade de Curitiba por Ignorado, a banda lança seu primeiro álbum após 3 anos desde seu EP de estreia. Com faixas que trafegam por músicas longas e cruamente angustiantes, há também faixas mais suaves, ainda assim, densas em melancolia. Neste álbum há uma música em homenagem ao DSBM, e ela conta com a participação de fãs deste subgênero fazendo declarações sobre como esse tipo de música ajuda a sobreviverem pela existência. São fãs de países diferentes, que refletem em como o DSBM consegue ser um conforto para indivíduos distantes fisicamente, mas, ainda assim, próximos através das ondas sonoras. O álbum também traz uma canção colaborativa com a poetisa galiciana Soraya Castro, onde ela declama um de seus belos poemas com uma instrumentação suave e rica em emoções como pano de fundo.

• Marccon - Remnants of Distant Days: Outra banda nova figura na cena brasileira. Formada por Luiz Henrique no estado do Paraná, Marccon traz canções dosando a melancolia do DSBM com a suavidade triste e sonhadora do Post Black Metal e Shoegaze. Cada faixa é uma viagem por paisagens naturais que servem de refúgio para o indivíduo que se sente aprisionado dentro de sua própria mente.

• Negativo - E Ninguém vê que Estou Morto..: Formada em 2024 por Solfieri Süskind Angst nos vocais e guitarras e por Thanatos na bateria, Negativo regurgita a crueza inerente do Raw Black Metal entrelaçando-se à melancolia do DSBM. Nesta demo de ensaio, duas faixas lançadas no EP de estreia, no ano passado, retornam, porém com muito mais crueza e velocidade, e ainda se somam 2 músicas inéditas e uma introdução que leva o (a) ouvinte à sensação evocada pelo nome da banda, ao negativo, à recusa, à negação - quer seja pela vida, quer seja pela morte.

Embora a internet e plataformas de música facilitem a pesquisa por bandas da cena, ainda não é algo tão fácil encontrá-las. Muitas, por opção, disponibilizam em plataformas mais limitadas, como o Soundcloud, dificultando a busca precisa. Felizmente, a maioria tem aderido ao Bandcamp, que tem sido a melhor plataforma para artistas do underground pois há diversas ferramentas disponíveis, além de ser um meio mais prático para conhecer novas bandas. E, claro, o Youtube segue sendo um bom ambiente também para a cena em geral, porém, são permitidos apenas vídeos, o que exige um trabalho extra para as bandas que geralmente já produzem tudo sozinhas. Dito isto, sempre fazemos uma busca avançada para listar aqui os lançamentos das bandas da cena, mas, ainda assim pode ocorrer de ficarem alguns lançamentos sem menção, justamente, porque não os encontramos. Então, se você é brasileiro (a) e tem uma banda de DSBM que lançou algum material de janeiro até abril deste ano, nos avise que incluímos aqui.

Continuem suportando a cena, escutando os materiais sonoros e acompanhando as páginas e perfis oficiais das bandas.